Nach einer guten Mütze voll Schlaf beginnt der Tag mit etwas Frühstück. Er verarbeitet noch die frisch gesammelten Eindrücke seiner letzten Arbeitsreise. Das „Supermarket“ in Zürich war proppenvoll gewesen, der Besitzer nett, die feierwütige Meute tanzte ausgelassen und happy – ein voller Erfolg! Dass es einer wurde, liegt nicht zuletzt an Andreys fabelhaftem Gespür für gute Musik. Er sammelt Raritäten, noch bevor sie welche sind. Gelernt hat er das in den frühen 2000ern, als er für den russischen Ableger des TraumBaum Vertriebes gearbeitet hat. Damals begann und verfestigte sich seine Sammelleidenschaft für ausgezeichneten Dub Techno, für Deep- und Melodic House, sowie Minimal Techno. Mittlerweile besitzt er mehrere tausend der wertvollen Vinylscheiben.

Auch wenn Pushki, wie seine Fans ihn liebevoll nennen, bereits Ende der 90er Jahre mit dem DJing begann, so gelang ihm der richtige Durchbruch erst 2006, anhand seiner DJ-Mixe bei „DeepMix.ru“. Eine mittlerweile legendäre Internet Radio Plattform. Mit seiner fehlerfreien Mixtechnik und dem musikalischen Know-how befand er sich dort in bester Gesellschaft. Er bildete eine Art Moskauer Bohème im Verbund von Leuten wie Dima, Gorje Hewek oder Izhevski. Sie lieferten erstklassige DJ-Mixe per Web-Stream über den ganzen Globus und erlangten schnell Aufmerksamkeit damit. Die jungen Künstler trafen mit ihrer Musik auf ein Verlangen, das damals gerade erst richtig Fahrt aufnehmen sollte. Die weltweiten Bookings ließen nicht lange auf sich warten.

Die Teetasse ist leer und Andrey wechselt vom luftigen Balkon seines Appartements in das Musikzimmer. Hier gibt es nichts außer Schallplatten. Der Fußboden ist damit buchstäblich bedeckt. Ein Plattenregal? Besitzt der DJ nicht. Die Scheiben stehen in einer eigenen Sortierung auf dem Boden. Fein säuberlich in Reih‘ und Glied. Er scrollt mit den Fingern durch die Platten um die richtige Auswahl für den nächsten Gig zu finden. Vorhören? Muss Andrey nicht. Er kennt sie alle aus dem Effeff. Und so füllt sich sein Rollkoffer nach und nach bis nicht eine einzige Scheibe mehr reinpasst. Wichtig ist ihm dabei, dass alles seine Ordnung hat. 

Ordnung ist es auch, die man in seinem Handwerk als DJ wiederfindet. Begünstigt durch seine perfekten Übergänge von einem Track zum anderen. Er weiß einfach wie er seine Musikstile am besten mixt. Da gibt es kein akrobatisches Scratching, keine sweependen Filterorgien und kein auffälliges EQing. Die stoische Ruhe, die er dadurch gewinnt, überträgt sich in den Fluss/ den Drive/ das Treibenlassen. Es gibt bei seinen Mixen weder Anfang noch Ende. Das Moment allein zählt und ist zudem fein auf die Hörerschaft austariert. Ein paar seiner DJ-Kollegen können das auch und doch hat er dieses Besondere auf seiner Seite. Seinen Entdeckergeist, den er einbringen kann ohne den Faden für das Ganze aus den Augen zu verlieren.

Wer Andrey Pushkarev als DJ bucht weiß das. Er weiß, dass er einen Meister seines Fachs anheuert und wie selten solche DJs doch geworden sind. DJs, die sich ausschließlich mittels Musik definieren und nicht über Instagram-Herzchen. Andrey gehört zu der Gattung Künstler, die den Sound in den Fokus rücken, sich selbst aber als Person ein gutes Stück, fast demütig, dahinter platzieren. Weit weg von den Business-DJs heutzutage, die immer das Bild vermitteln, als müssten sie hinter den Plattenspielern gekünstelt mehr tanzen, als die Leute auf der Tanzfläche. Nur selten zeigt er bei seinen Auftritten eine emotionale Regung und wenn, dann ist es für einen kurzen Moment ein zufriedenes Lächeln. 

Zu den Schallplatten in seinem treuen Rollkoffer packt er nun noch Wechselklamotten, sowie einen Kulturbeutel. Alles findet einen Platz. So wird auch die noch so kleinste Ecke des Koffers taktisch sinnvoll gefüllt. Das Smartphone als Kommunikationsmittelpunkt wandert in seine Jackentasche. Ebenso das Ladegerät dessen und die Brieftasche mit den Tickets für die nächste Reise. Es geht heute gleich wieder auf Tour. Diesmal nach Rumänien… 

https://www.youtube.com/watch?v=q8Q7kcX7QbU

Bilder Copyright: mixing.dj, Anatoli Ivanov

Weiterführende Links: andreypushkarev.com, Andrey auf Facebook, Soundcloud, YouTube

Ich kenne das. Mit den Jahren habe ich allerdings gelernt, diese Situationen vollkommen auszublenden. Wenn ich etwas nicht hören will, höre ich es nicht. Mein Toleranzlevel ist zudem gestiegen. Während ich mich vor 20 Jahren noch tierisch über eingangs beschriebene Songs aufgeregt habe, gönne ich mittlerweile jedem seinen Erfolg. Das kam im Wesentlichen auch durch meinen Musikgeschmack. Dieser wurde selten von meinem Umfeld mit Akzeptanz oder Toleranz begleitet und oft despektierlich bewertet. Ich sehe keinen Grund in einem elitären Gehabe bezüglich des Musikgeschmacks. Mit welchem Recht darf z.Bsp. ein AC/DC-Fan über Helene Fischer herziehen? Persönlich empfinde ich weder AC/DC noch die Musik von Frau Fischer als spannend. Meine Begeisterung für Musik entsteht da eher beim Entdecken von neuen Tönen und Formen. Kreativer Output Musikschaffender, der mich überraschen kann. Das macht mich jedoch nicht automatisch zu einem schlechteren oder besseren Menschen.

Doch wie weit bin ich bereit für die Befriedigung meiner Neugierde zu gehen? Ab wann ist ein Punkt beim Anhören erreicht, an dem ich sage, das war jetzt aber zu krass? Wie wäre es z.Bsp. mit dem Gehämmere von Trash Metal? Oder sind es vielleicht die perkussiven Kaskaden von EBM gewesen? Was ist mit den experimentellen Exkursen von Mate Galić damals auf Evosonic Radio? Nope. Mir ist bis jetzt erst ein Werk in die Ohren gekommen, bei dem ich danach gesagt habe: „Alter Schwede, sehr heftig!“.

Alter Holländer wäre eher angebracht. Denn besagtes Werk stammt zum Teil von Edwin van der Heide als Mitglied der Formation „Senssurround Orchestra“. Dieses Orchester hat eine ganze Serie unter dem Namen „Mort Aux Vaches“ veröffentlicht. Das bedeutet auf Deutsch soviel wie „Tod den Kühen“. Wobei hier „Kühe“ für „Polizisten“ steht. Was genau zu dieser anarchischen Bezeichnung geführt hat konnte ich allerdings nicht herausfinden.
Laut Katalognummer auf Discogs sind es insgesamt 68 Releases. Ich möchte daraus „Meltdown Of Control“ hervorheben. Darüber gestolpert bin ich beim Stöbern auf „Bleep“. Das ist der Online Shop des Labels „Warp“, aus dem UK. 

Die im Jahre 2000 veröffentlichte CD enthält nur einen einzigen Track. Dieser ist etwas mehr als 54 Minuten lang und enthält drei Darbietungen von unterschiedlichen Künstlern. Der erste Part stammt von Michinao Onishi und lief am 05.12.1997 in Tokio. Der zweite entsprang Rolf Biemelt. Er präsentierte diesen am 01.07.1998 in Berlin. Den dritten und letzten Teil steuerte der bereits erwähnte Edwin van der Heide einen Tag später, am 02.07.1998, aus London dazu. Diese drei Klanglandschaften wurden von van der Heide und Zbigniew Karkowski neu editiert, strukturiert und zu einem Track verklebt. 

Das daraus entstandene Resultat ist richtig schwere Kost und das sage ich selten. Experimente im elektronischen Sound-Design mit einem ganz dicken und stetig anschwellenden Noise-Teppich. Es gibt keinen Bezugspunkt – nichts Greifbares. Eine kataklysmische Krachorgie ohne Gnade. Ich habe es mal mit folgender Analogie beschrieben: „Es klingt, als ob man in einer Flugzeugturbine einen Transatlantikflug macht und dabei von Dämonen heimgesucht wird.“  Sowas streift einen nicht einfach mal so nebenbei, dazu muss man schon bereit sein. Ich habe es bis jetzt auch nur einmal komplett durchgehört. Am Stück, über Kopfhörer, mit laut! Auch wenn ich zwischendurch immer mal lachen musste über diesen Wahnsinn, der in mein Ohr drang, musste ich mich danach erstmal etwas sortieren. Meine Vermutung ist ja die, dass hier ganz bewusst von Edwin van der Heide ausgelotet wurde, in wie weit der geneigte Zuhörer belastbar ist. Wann möchte der Rezipient den Notaus, der vorne auf dem CD-Cover abgebildet ist, drücken, weil er es nicht mehr länger aushält. Ich habe es bis zum Ende ausgehalten. Allerdings war hier meine Grenze erreicht. Mein eigenes Limit des Ertragbaren mit der Erkenntnis, endlich da angekommen zu sein, von wo aus es vorerst nicht weiter geht. 

Herr van der Heide als Mitwirkender dieses akustischen Horrortrips experimentiert eh gern. Seine klanglichen Forschungsreisen sind mehrfach ausgezeichnet wurden. Er kombiniert diese oft eindrucksvoll mit einer optischen Komponente in kunstvollen Installationen rund um den Globus. Nicht immer in dieser martialischen Art der Präsentation. Einen Besuch seiner Homepage kann ich also wärmstens empfehlen. HIER

Auch wenn „Meltdown Of Control“ jetzt nicht meine Allday-CD wird, so fasziniert mich diese Komposition schon sehr. Ich finde es obendrein immer lobenswert, wenn Künstler sich einfach mal was trauen. Die CDs sind übrigens stets auf 1000 Stück limitiert. Ich habe lustigerweise die Nummer 777 ergattert.

Wer auch mal neugierig sein möchte darf sich das gern zu Gemüte führen. Allerdings wenn schon, dann bitte auch mit reichlich Lautstärke. Sonst fetzt es doch nicht!  

Die Nummer ist für mein Empfinden Techno in seiner reinsten Form. Das abstrakte Destillat eines Genre auf den Punkt konzentriert. Der Track stammt von 1999 und begegnete mir zum ersten mal im selben Jahr durch Gayle San. Sie spielte die KIAL 04 ’99 regelmäßig. Hervorzuheben ist aus diesem Jahr ein DJ-Set von ihr vom Chicagoer Club Karma. Den legendären Mitschnitt davon höre ich mir auch heute noch hin und wieder sehr gern an.

Hinter Random Logic verbergen sich zwei sehr erfolgreiche Slowenen, die nicht nur 1A Techno produzieren, sondern auch Filmmusik. Dafür wurden sie bereits mit mehreren Auszeichnungen geehrt. Dem ein oder anderen sagt vielleicht auch ein anderes Alias der beiden etwas – als Savinto lieferten die Slowenen nämlich auch richtig fette Techno-Tracks ab!

randomlogic.si

Es war Sylvester 1999/2000 und ich feierte diesen Anlass mit Freunden in der Dichter-und-Denker-Stadt Weimar. In der Gesellschaft in der ich mich befand, zumeist alte Schulfreunde mit gewissem Hintergrund, war es nur eine Frage der Zeit, bis ich das erste Mal von den verbotenen Früchten für die lange Nacht kosten würde. Diese Experimentierphase sollte nun zwei Jahre lang andauern. In dieser Zeit wurden für unsere „Privatveranstaltungen“ bestimmte Formen der Musik gebraucht. Mein bester Freund damals zum Beispiel, war überzeugter House-Musik Hörer. Ich für meinen Teil war dank der Tresor 100 fest auf harten Techno eingefahren. Beide Stile erwiesen sich aber als suboptimal für die ganz langen Nächte mit dem Löschpapier. Dafür bedurfte es spezielle Musik. Jeder unserer kleinen Sechsertruppe, der eine geeignete Nummer entdeckte, brachte diese, in welcher Form auch immer, mit. So entstand über die Zeit eine bestimmte Kollektion an Tracks, die quasi in Endlosschleife von Tape in diesen Nächten lief.

Diese Zeit ging, wie bereits erwähnt, nach zwei Jahren der Selbstfindung und Sorglosigkeit zu Ende. Über die darauffolgenden 17 Jahre war es mir scheibchenweise gelungen, die Namen all dieser Mix-Tape-Titel in Erfahrung zu bringen und zu sammeln. Meistens durch Zufall. Bis auf einen. Dieser stammte von einer CD, die ich mir geliehen hatte. Auf jener befand sich ein DJ-Mix von Tube Jerk aus dem Jahre 2001. Diesem Mix hatte ich gar nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt, bis mein Buddy, dem ich die CD überlassen hatte, auf die letzte Nummer derer verwies. Volltreffer! Was für ein abgefahrener Track. Dieser wurde natürlich auf das berüchtigte Mix-Tape transferiert.
Meine Recherche der letzten Jahre danach brachte allerdings nahezu Null Ergebnis. Irgendwie bekam ich wenigstens heraus, dass der gesuchte Titel, der erste eines Christian Vogel Live-Sets war. Dieser legte unmittelbar im Anschluss an den Auftritt von Tube Jerk auf. Die Mitschnitte stammten aus dem berühmten Stammheim. Aber weder das Durchblättern der Discografie von Tube Jerk, noch der von Christian Vogel brachten den Sucherfolg. Da Neil Landstrumm so ähnliche Nummern produziert hatte, checkte ich auch seine – ergebnislos. Und in einem „Akt der Verzweiflung“ fragte ich letztes Jahr auf YouTube, ob nicht einer weiterhelfen könne. Tatsächlich, einer konnte. Endlich! Logisch, dass ich die Nummer nach Möglichkeit auch gern auf Vinyl besitzen und in meine Kollektion einreihen würde. Ich Glückspilz erstand sie in „Mint“ für gerademal 4€. Also ungespielt. Dazu muss man erwähnen, dass die Platte von 1994 stammt!

Nun besitze ich neben „Plastikman – Panikattack“, „Winx – How’s The Music“, „Brtschitsch & Galluzzi – Rotlicht A1“, und „LoSoul – Synchro“, um ein paar Namen zu nennen, auch diese. Damit geht eine lange Suche glücklich zu Ende.

Logisch, dass die Nummern im nüchternen Zustand bei Weitem nicht diese Erfahrung bieten wie bei der Vereinnahmung durch das „Sorgenkind“. Nichtsdestotrotz sind das richtig gute Tracks und sie werden mich auch weiterhin begleiten.

Extrawelt, das sind Arne Schaffhausen und Wayan Raabe. Gegründet wurde das Projekt 2005, von dem damals in Hamburg beheimateten Künstlerduo. Irgendwie war James Holden dabei mit involviert und die erste Nummer unter diesem Pseudonym, „Soopertrack“, war sofort erfolgreich. Zuvor gab es offiziell sieben weitere Projekte mit mindestens einem der beiden Jungs. Spirallianz oder Midimiliz könnte der ein oder andere schon mal gehört haben. Ich habe letztes Jahr einem Live-Chat mit den Künstlern auf Facebook beigewohnt. Dabei wurde ihnen die Frage nach dem Namensursprung von „Extrawelt“ gestellt. Wayan begründete es kurz so: „Wir haben einen Namen gesucht, der sich besser aussprechen lässt. Mit Spirallianz oder Midimiliz gab es bei der Aussprache öfter Probleme im Ausland“. Auch wenn Schaffhausen und Raabe beide Erfahrung als DJs vorweisen können, so bleibt ihr Auftritt auf Veranstaltungen immer der des Live-Acts. Raabe fungiert als eine Art Regisseur an einem stattlichen Mischpult. Er entscheidet was, wann und wie. Schaffhausen, als kongenialer Partner, ist der Herr über die Sounds. Er manipuliert, kreiert und verfremdet die Klänge nach Lust und Laune, ohne dabei den Fokus auf den Charakter des Tracks zu verlieren. Auch wenn sicherlich vieles ihres Live-Auftritts pre-recorded wurde, so gleicht doch keine Performance exakt einer zweiten. Mit an Bord des Stage Riders und ein wesentlicher Bestandteil des Extrawelt-Sounds ist der Roland SH-101 Synthesizer, der diese knurrigen und wabernden Basslines erzeugt.

Womit wir zur musikalischen Beschreibung von Extrawelt übergehen wollen. Ich würde ihren Sound so definieren: „Maschinenklänge gepaart mit Seele.“ Auch wenn die beiden, stark rauchenden Künstler, in ihren Tracks viel und einfallsreich mit Klängen experimentieren – gerade kurze, perkussive Elemente sind exzellent arrangiert – so verpassen sie ihren Nummern meist noch ein melodiöses Moment. Es klingt dann so, wie ein Roboter wohl mit Herz klingen würde. Dabei gehen ihre Tracks nicht unauffällig in der Menge unter, man erkennt einen Extrawelt-Track einfach. Als gutes Beispiel dafür der Titel „Im Garten von Eben“

Auch hier erkennt man deutlich den Roland SH-101. Neben der für Techno typischen „4-to-the-Floor“ Bassdrum nutzen Schaffhausen und Raabe auch gern breakige Rhythmen. Als Vertreter dessen habe ich „We Are The Asteroid!“ gewählt. Mit diesem Titel zielen die Musiker auf unser Gewissen als Erdbewohner. Mehr denn je sind wir dabei unseren Planeten auf lange Sicht großflächig unbewohnbar zu machen. Schaffhausen meinte im oben erwähnten Facebook-Chat: „Wir sind der Asteroid, der die Erde zerstören wird, wenn wir so weiter machen. Wir brauchen gar nicht darauf hoffen, es einem Objekt aus dem All in die Schuhe schieben zu können!“. 

Egal wie oft ich die Musik von Extrawelt höre, irgendwas neues entdeckt man immer wieder und die Sogwirkung geht nie flöten. Meine persönlichen Lieblingsstücke sind neben „Titelheld“ noch „Fernweh“, „Dark Side Of My Room“ und „8000“, um hier nur ein paar zu nennen. Denn ganz ehrlich gefällt mir so ziemlich alles von ihnen – ohne Übertreibung! 

Was die sympathischen Hamburger gleichfalls sehr gut beherrschen, ist es Remixe für andere Künstler herzustellen. Sie besitzen ein großes Talent, den Charakter eines Titels mit ihrem eigenen Narrativ zu versehen. Ein wunderbares Beispiel dafür ist ihre Interpretation von „Juno Reactor – Final Frontier“. Für diese Nummer hatte ich sogar mal ein Video in Adobe After Effects gebastelt.

Die Extrawelt Remixe von „Landside – Wasteland“, „H-Man – 51 Poland Street“ oder „Margot Meets The Melody Maker – Torch“ sollen ebenfalls nicht unerwähnt bleiben.

Auf dem YouTube-Kanal von ARTE findet sich eine Aufzeichnung des Extrawelt Live-Acts bei der Time Warp 2017. Das Anschauen bzw. Anhören lohnt sich auf jeden Fall. Wenn selbst die Kameraleute mittanzen spricht das für sich. Besser ist es natürlich die beiden Jungs live in Aktion zu erfahren. Ich hatte dabei nie Glück. Wenn Extrawelt hier mal in der Nähe waren, konnte ich leider immer nicht hin. Vielleicht klappt es ja noch irgendwann. Ich gebe die Hoffnung nicht auf…

Das erste Mal Notiz nahm ich von Plastikman 1997 als der Titel Panikattack in der Hr3 Clubnight lief. (Damals hieß die Sendung noch so. Ab 2004 bis 2014 dann YOU FM Clubnight) Die Platte mit ihrer hypnotisierenden minimalistischen Machart stach sofort heraus und zog meine Aufmerksamkeit auf sich. „Was…ist….das!?“ – stellte ich mir selber fasziniert die Frage. Zur besseren Verständlichkeit sei erklärt, dass ich buchstäblich in der Provinz aufgewachsen bin. Subkulturelle Nischenmusik fand nur selten den Weg zu uns in den Ort. Wenn dann über Medien wie die Clubnight im hessischen Radio/Fernsehen oder die „Städter“-Freunde, die gelegentlich Tapes/CDs mitbrachten, welche man mit großer Dankbarkeit auf eigene Kassetten überspielen durfte.

Durch diese Form der Vervielfältigung erfuhr ich später auch wie der Track hieß und von wem er ist. Plastikman wurde zu einem Mysterium für mich. Ich hatte damals ja nahezu null Möglichkeiten der Recherche und so blieb Panikattack ein paar Jahre der einzige Track den ich von ihm kannte.

Was ich damals nicht ahnte, wie umtriebig doch besagter Künstler bereits zu dieser Zeit war…

Richard „Richie“ Michael Hawtin, geboren 1970 in England. Siedelte mit seinen Eltern im Alter von 11 Jahren nach Kanada um. In der Nähe zur Grenze zu den USA. Auf den regelmäßigen Transit über die Grenze, wenn es auf Party ging, bezieht er sich später mit dem Titel „The Tunnel“. Seine erste DJ Residency hatte er bereits mit 17 Jahren im Detroiter Club „Shelter“. 1990 begann er zudem unter den Pseudonymen State of Mind und FUSE Tracks zu veröffentlichen. 1993 startete dann das Projekt Plastikman.

Auf Plastikman bezogen beschreibt sich sein Musikstil kurz mit den Worten: Acid, Minimal, Techno, Ambient und Experimental. Allerdings werde ich darauf noch genauer eingehen.

Mir war Acid House/Techno auch vor der Entdeckung von Plastikman schon ein Begriff. Den 1995 erschienene Track „Don’t Laugh“ unter Josh Winks Pseudonym Winx kannte ich bereits und verstand auch grob, dass das ungewöhnliche Gezwitscher wohl was damit zu tun hat. Auch Hawtin machte regen Gebrauch des TB-303 Bass-Synthesizer von der Firma Roland. Er nutzte das Gerät aber wesentlich meditativer mit langen und ruhigen Läufen, die an Walgesänge erinnern. Als ein Beispiel dafür das wunderbare Stück „Pakard“ vom 1998 veröffentlichten Album „Artifakt (BC)“.

Weil gerade diese hypnotischen Acid-Verläufe mir so sehr gefallen, ist diese LP mit Titeln wie „Korridor“, „Psyk“ , „Are Friends Electric?“ und eben „Pakard“ eines meiner Lieblingsalben von ihm. Diese Nummern sind so wunderbar unaufgeregt und entspannend. Auch die Länge der Stücke mit gern mal mehr als 10 Minuten finden bei mir einen dankbaren Hörer.

Dieser Musikstil war auf den ersten Alben von Plastikman immer eine Seite der Medaille, die andere Seite ergänzten extrem perkussive, in ihrer Machart aber minimalistische Techno Tracks. Als Beispiel dafür sei der hektische Klassiker „Spastik“ von 1993 genannt oder eben „Panikattack“.

Nach „Artifakts“ kamen die Acid Elemente dann allerdings kaum noch zum Einsatz. Dazu muss man auch erwähnen, dass der große Hype um die 303-Sounds ’98 lange verebbt war. Bereits Mitte der 1990er war der charakteristische Klang durch einen kompletten Overkill kaum noch gefragt. Nichtsdestotrotz gibt es den Kult um das silberne kleine Gerät auch heutzutage noch. Auf dem 2003 erschienen Album „Closer“ sucht man diese allerdings vergeblich. Warum er davon Abstand nahm weiß ich nicht. Sicher wollte Plastikman sich nicht wiederholen und neue Sachen probieren. Denn, sind wir mal ehrlich, allzu viel Abwechslung lässt sich mit dieser reduzierten Art der Musikproduktion nicht generieren. Erst 2010 auf der EP „Slinky“ werden mit einem anderen Produktionsstil diese Klänge wieder Einzug halten.

Hawtin wurde noch experimenteller. Mein zweites Lieblingsalbum von ihm „Closer“ zeigt das deutlich. Bereits der Opener „Ask Yourself“ zeigt den Wandel und ist für mich ein absolutes Meisterwerk. Der Titel baut sich sehr langsam auf – rhythmische Elemente setzen erst nach 4.30 Min. ein. Den Rahmen setzen düstere Basslines und Flächen begleitet von einer befremdlichen aber auch bedrohlich wirkenden Stimme. Die gesprochenen Passagen personifizieren die innere Stimme eines Unbekannten der anscheinend Rat/Hilfe bei dieser gesucht hat. Dokumentieren quasi ihre Sicht. Ich finde diese Idee großartig!

Ob die Einnahme von bewusstseinserweiternden Drogen bei der Konzeption von Plastikman eine Rolle gespielt hat darf sicherlich mit ja beantwortet werden. Ich glaube auch mich an ein Interview mit Richie Hawtin erinnern zu können, wo er sich damit auf die Frage bezog, was er eigentlich mit Plastik meint. Er begründete das mit seiner veränderten optischen Wahrnehmung unter dem Einfluss von LSD.

2014 kam der bislang letzte Longplayer unter dem Pseudonym Plastikman auf den Markt. Es heißt kurz „EX“ und wurde mit einer ersten Plastikman-Tournee überhaupt begleitet. Die Acid-Elemente sind nun wieder reichlich vertreten. Dafür haben die Tracks im Vergleich zu den alten Produktionen mehr Tempo – sind tanzbarer. Dieser Schritt war aus meiner Sicht notwendig im Kontext einer Tournee.

Neben Hawtins Projekt Plastikman war er parallel vielen weiteren Werken zugetan. Ein paar besonders aufwendige davon möchte ich noch erwähnen.

Unter „Concept 1“ veröffentlichte er 1996 ein Jahr lang jeden Monat eine EP mit jeweils zwei Tracks. in Summe also 12 EPs mit 24 Titeln. Die EPs wurden mit den Zahlen des jeweiligen Monats betitelt. (Der Mai war z.Bsp. die 05:96) Die Tracks wurden mit der Tageszeit nummerisch benannt und symbolisieren somit 24 Stunden. Bei Sammlern sind diese Scheiben sehr begehrt. Ich könnte mir die Kollektion auch gut in meinem Plattenregal vorstellen, nur schreckt mich der Preis dafür ab. Für eine Near Mint LP-Box mit allen 12 Platten legt man schon mal mindestens 350€ hin. Autsch!

1998 kamen als Remix noch die mit „Concept 1 – 96:VR“ betitelten Brinkmann Variationen hinzu. Diese gefallen mir sogar besser als die ursprünglichen Versionen, weil sie noch experimenteller sind. Der Künstler Thomas Brinkmann hat die Vinyl Scheiben der „Concept 1“ Reihe über ein eigens kreiertes Abspielverfahren neu aufgenommen. Dabei trennte er den linken und rechten Audiokanal zeitlich so voneinander, dass komplett neue Rhythmen entstanden.

Ebenfalls Erwähnung soll Hawtins „DE9“-Reihe finden. Bei der er jeweils aus über 100 Tracks mehrere hundert Loops gewann und diese zu neuen Stücken wieder verwob. Aus dieser Reihe möchte ich das Werk „DE9|Transitions“ hervorheben. Als Bonus bekommt man hier nämlich noch einen mehrkanaligen 5.1 Mix dessen dazu (inklusive Video) und kann diesen somit über ein Heimkinosystem mit Dolby-Digital-Funktion abspielen. Dadurch, dass die einzelnen Spuren nun jeweils aus einer anderen Ecke des Raumes auf den Hörer zu kommen, entsteht eine neue interessante Wahrnehmung der Stücke, die zu einem ganzen Mix von 75 Minuten Länge arrangiert sind.

Es gäbe noch so viel zu diesem umtriebigen Künstler zu schreiben. Die für mich wichtigen Punkte sind aber niedergeschrieben. Wer mehr wissen möchte findet im Netz reichlich Lektüre und vor allem Musik.

Als Reminiszenz an die geilen Acid-Tracks von Plastikman musste mein KFZ-Kennzeichen herhalten. In diesem Sinne…